深入摄影:了解并脱离创作意识的初级阶段

       之前我们讲了如何让自己的作品走出朋友圈,第一步就是走出自身的思维局限。我们受困于简单、粗略、直接的评价体系中,试图用简短的文字去理解一幅别人绞尽脑汁去创作出来的作品,甚至很多人对艺术品的价值认可取决于艺术品的货币价值。这样最后会演变成为金钱去创作,去迎合购买者的需求,这些便成为了商业摄影,那就不再是创作了,而是生产,这就偏离了艺术摄影里将自身情绪或思想做出表达的条件。

       在明白我们需要建立自己的评价体系后,开始出现自己的创作意图,并想要创作,那我的建议是,去认识到自己的创作意识目前仍处于初级阶段,并脱离出来。

一、什么是创作意识的初级阶段?

       再回到自身的思维局限这个话题上,为什么我们对简单粗暴的评价体系如此热衷呢?无非就是这样做快速、刺激、爽快,能够迅速将知识化作一种可以吸引别人的工具。但如果深思之后,可以发现这里面深层的根源其实很复杂,因为大众非常喜欢用规则、规律来试图理清楚现在这些纷乱呈现在我们眼前的艺术。但绝大多数人没有意识到我们的认识是不断在发展的,因为历史是流动的,不断往前的,因为每一个时代,放在当时也是属于“当代”。

       这样的认识意味着什么?这个问题可以通过另外两个问题来切入,也就是“为什么熟读艺术史,却仍然无法参透艺术?为什么熟读摄影史,也依然无法拍好照?”为什么会产生这样的问题,就是我们并没有我们的认识,永远是在发展的,前人的积累,实际上都是基于当时的时代语境及文本之下的。从最早的达盖尔银版照片,到土豆淀粉反转片,接着是染色草酸纸制作的照片,再到直接摄影,仿佛这里面出现一条路径。但我们可以通过观察人类历史发展过程,发现在整个历史长河中出现过接连不断的惊人转折,不停打断我们对社会发展的未来构想。因此,无论是前人的书写,还是当代的记录,从现实角度来看,是无法彻底掌握艺术或者是摄影的。所以,摄影史同样是极其复杂和纠缠不清的。实际上,摄影到现在为止依然没有办法分出清晰的源流、线索;或者是即便我们分析出部分走向时,在实际上,由于摄影技术的不断发展,人们对摄影认识的不断刷新,这些“当时有效”的认识,很快也会失效。


威廉·克莱因作品


       举个例子,上个世纪70年代,有位艺术家叫威廉·克莱因,他于1963年被世界摄影博览会的国际评委推选其为摄影史上30名最重要的摄影家,主要原因是他拍摄于1956年的具有强烈感情色彩的画册《纽约的生活对你有利——威廉·克莱因恍惚中看到的狂欢》在欧洲的巨大反响。在画册中他使用了被称之为“摄影中所不应干的失败做法”,以人为的事故、粗颗粒、模糊和变形,构成了全新的视觉语言,从而恰到好处地将纽约的生活充满激情地展现在世界面前。

谷歌街景车拍摄到的事件画面


       而这位艺术家在刚开始的时候,称自己把每一张照片都当做重大新闻来拍摄的,但在谷歌街景车出现之后,这一点想法开始受到了冲击,因为人们开始在用谷歌街景车来获取图像,并从中摘取事件,甚至有策展人从这些谷歌街景车拍摄的画面里摘取了大量事件,以呈现于在展览上。众所周知,谷歌街景车所拍摄的图片是不带偏见的,是没有艺术创作意识的。而这些图片,无论如何也称不上艺术。但是,摘取编辑这些图片,并从中摘取出意义,最后呈现给人们观看的是人。由此,某种意义上来说,这个策展人成为了“不用摄影的摄影师”。这种事在1970年代,绝对是不可想象的。所以,当我们面对前代摄影人的言论,比如说“摄影不是艺术”,“摄影是记录”,等等结论式的判断时,我们一定要分清楚这些判断的文本和语境,结合它的时代背景来看待。

       对书籍及创作的作者进行批判性判断的能力,是读懂历史的必要思考方式。这不仅仅在学习艺术中管用,实际上是在生活中多个方面都适用。因为批判性思考,是人进步的驱动力。无论阅读理论、历史、艺术,均需要这个能力。因为当你通过阅读其他人的摄影、摄影理论时,都需要结合自己的时代境况,做出自己的判断。


威廉·克莱因作品


       为何要针对“结合当下时代环境来做出判断”这点说这么多呢?我们引用另一个艺术家山本昌南在回忆录里对威廉·克莱因的一幅作品的评价:“William Klein所拍摄的曼哈顿,笼罩在巨大的太阳的光辉下,周围的天空都是黑色的,给了我深深震撼”。这里提到的作品也就是上面的那幅。

       通过对这幅作品的分析,可以看出画面中的太阳是以遮光手法专门制作出来的。同时在日常生活中,也是无法出现如此巨大的太阳的,根据太阳周围的光晕,能看到所刻意做出来的虚化效果及其周围的灰色过渡,这些效果在当时是很难制作的。

弗里茨·朗 《大都会》概念图


       为什么威廉·克莱因会创作出这样一幅作品呢?我们通过之前说的方法来分析,首先通过公开资料,威廉·克莱因十四岁因成绩优异,进入了纽约市立大学,随后在其二十岁的时候,他离开美国,在巴黎过着流浪生活。他起先是在巴黎学习绘画,并完成了学业,同时还娶了法国妻子。根据这些,我们可以看出,他在艺术方面的学习研究是起源于绘画,同时深受法国画家影响,而在当时,欧洲最优秀的画家都是表现主义者,在1948到1950之后的很长一段时间里,表现主义的风潮不仅在艺术方面有所影响,同时也影响到了电影等诸多领域,比如弗里茨·朗拍摄的《大都会》。

“表现主义”风格绘画


       因此,我们可以从这里看出,没有任何一幅作品,哪怕是那些“引领”时代的开创性作品,也是无法脱离于时代背景而单独出现的。摄影也是一样,艺术家在以摄影为创作工具的时候,也是受到美术、社会思潮的影响的。

      刚刚那幅威廉·克莱因的作品画面中,白色太阳高悬压抑的城市天空之上,就是表现主义的影响。因为表现主义在当时是最大的美学思潮。在这种整体的审美倾向当中,所有的形制,都是倾向于表现内心感受的。在表现主义之下,没有什么形制是神圣不可动摇的。我们以日常生活为例,假如我们在盛夏去看向太阳时,是否也会感到太阳无法直视?这就是为何威廉·克莱因作品里,太阳这个元素为何要被如此刻意去呈现如此效果的原因。

       说到这里,我要问关于摄影的一个本质问题:摄影是对现实的忠实记录吗?或者仅仅是记录吗?

       通过上面的例子,我们可以得出答案,没有任何人或事是完全独立于时代背景之下的,尤其是摄影,摄影的表现方法、内涵,受到时代的气氛、美学的直接影响。因此摄影并不现实,甚至是真实。当我们看到一幅作品的画面时,仿佛自己就在那里亲身感受着,体会着当时的一切。因为我们认为这是张真实照片,便接受了它即是现实。但是,在作品背后,还有着其作者。就像绘画、电影、文学等艺术创作形式一样,摄影作品也有其作者。因为没有作者,摄影实际上是无法在艺术上出席的。正是作者在原有元素上的再加工约束着摄影,也正是作者的艺术意识及思想与技巧在控制着摄影的展现。所以我们全都被照片给骗了。我们认为照片就是现实,但照片根本不是现实。

监控画面


       什么是现实?现实在现有的某种意义上,是监控摄像头里那不间断的摄录画面,也可以是谷歌街景车中所有被拍摄下来的画面。现实是无限的,不仅有着空间上的宽广,也有着时间上的纵深,正是因为如此,我们作为人,是不可能完全客观、现实地创作。也正是因为如此,我们对于创作的思维初级阶段也在于此。

       很多人在时间较久的拍摄之后,会面临着共同的困扰,那就是拍着拍着不知道要拍什么了?其实究其根源,这个困扰本质上不是没有找到拍摄对象,而是创作者本身已经对现实麻木了。而创作的思维初级阶段也就是就是对现实的麻木,对被摄体的麻木,对技术的麻木。对于很多人的创作目的来说,没有想着把自己的才智、美感,能力用在这些作品上。仅仅满足于拍出来一张清晰、漂亮,甚至可以说非常好看的照片而已,完全忽略了创作时必须思考的很多东西,比如美感应该是什么样的;精神应该是什么样的。然后它,又应该如何通过平面的法则来展现出来。

       二、如何脱离创作意识的初级阶段呢?

       在讲了什么是创作意识的初级阶段之后,我们又要如何脱离创作意识的初级阶段,去更深入了解摄影对个人创作的意义所在呢?

       我们来讲讲另一个艺术家,受威廉·克莱因影响,作品却截然不同的艺术家山本昌南。


山本昌南作品


       通过对山本昌南的作品进行分析,我们可以看到山本昌南的作品虽然和铂金印相技术制作出来的作品一样,有着独特的黄色。(铂金印相是众多古典手工印相工艺中的一种,它以铂系金属为主要感光材料,用接触印相的方法在日光或者紫外线下晒制图片。铂金印相宽广的影调和影像的永恒性主要取决于铂金印相要用到的金属铂,铂是一种稀有贵金属元素,化学性质非常稳定,用铂金印相法晒印的铂金作品不仅具有绝对的永久性,还有独特的质感。其影像具有浓郁的黑色,大幅度的影调层次,在各种光线下都能够很好地表达客观物象的质感、影纹和层次。)

铂金印相技术作品(周润发也是这项技术的爱好者之一)


       但与铂金印相技术不同的是,山本昌南的作品有着不同的黄色,他仅仅只是用茶水泡了之后染了个色而已。这幅作品从技术角度上来看,首先是没有挑了特刁钻的角度,也不是什么特别了不起的瞬间,更不是用了什么不得了的暗房技术。他就仅仅只是用茶水将相片浸泡后,获得了独特的黄色而已。这个技术并不是什么特别高深的技术,相信每个人都能做到,但山本昌南做这件事和别人不同,他是带有强烈的目的性的。在对他的采访中,他对此的回复是这样的:“这是出于一个很简单的想法。比如说同样的一个壶,放了三百年的和新作的两个给人的感觉肯定会不一样。因为老的东西会有一个时间的感觉在里头,还有很多情感。比如说很重要的全家福照片,肯定是随身带着放在自己的钱包里经常看,经常摸,然后就会有一些小的皱纹或是坏的地方,但是还是非常漂亮,对于自己来说是很美的。我的做旧是基于这个想法的。但是新拍的照片不可能经历三十年三百年,于是我就故意的做出这种感觉来,想把时间的概念留在里头。所以那些照片我也经常放在自己的口袋里,经常去摸它,经常会撕下来一些东西。为什么这么做呢?我觉得是为了忘记一些东西,是为了让人们忘掉一些东西才来做这种工作,其实我希望人工的痕迹越少越好,但是又希望时间的感觉,于是就用到了刚才你说的茶叶水去泡那样的事。”

       如果我们仍处在对艺术追求没有那么执着,没有想尽办法去实现自己想法的阶段时,很多人就会非常奇怪那些艺术家为什么可以想出很多招数,来给他们的创作增加独特的印记。其实仔细一想,这些技法都是可以进行传授的统一方法。而这里真正重要的是要明白,艺术创作是对于作者之心的无限追求。只要够执着,总能发现属于自己的路径。这些路径在甩开别人,开始追求自己的精神,以及自己的精神的展现之后,甚至可能只有我们自己去探索。这就是为什么艺术院校教不出艺术家原因:艺术家必须有自己的心。我们可以受到这种精神的指引,并去实践那些统一的技法,但必须开始我们自己对于我们想要去实现自己作品的实验。

       这些才是摄影真正需要的。也是脱离摄影的初级阶段所必须的。很多人有没有发现其实技术满足不了心灵的需求,估计这也是很多人能看到文章这里的动力。当拍摄感到无聊及麻木时,一定不是相机出了问题,而是我们的眼睛、内在出现了问题,因此,不仅我们的创作是麻木的,甚至我们整个生活都可能是麻木的。这就需要我们非常认真去想,不是思考去拍什么,而是思考出现了什么问题,我们到底怎么了,为什么对一切都不再敏感,对事物失去了兴趣和好奇心。到底是什么,在阻碍我们。这才是真正的问题。摄影是脱离不了生活的,是脱离不了现实的。我们的所见与所思,并没有一致起来,而这些,都不是摄影技术上的问题!而是在我们的眼睛中,缺乏美的训练;在我们的内在中,缺乏精神的探索。一个作者需要经过非常丰富的训练和发展,才能走向自己真正的创作。这个时长,经常是以年来计算的。因为你需要训练自己,需要成熟和成长。
      明白了这些,才是作为摄影作者所需要背负起来的责任,即通过经年累月的研究,磨砺内心,磨砺眼睛,寻找自己的精神与美。拍摄,其实只是简简单单的技术活而已;哪怕是暗房技术,其实并也不太难。当我们追求摄影艺术的时候,首先要明白有艺术,才能控制所有技术。因为艺术其实是创造力的体现。掌握知识、技术,并不能代替创造力。并不能代替你的精神的追寻。内在的世界,充满了无限的可能性。摄影技术,实际上只是现实中,我们需要把握的一门技术而已,摄影的艺术,首先需要追求艺术。没有艺术的指导,摄影就仅仅是一门手艺,缺乏了精神内涵,缺乏了精神的可能性。

网友评论

4条评论

发表

网友评论

4条评论

发表

最新评论

欧洲玩家乔Sir 6 0

对事物永葆好奇心,才不会对生活失去信心。

11月30日 13:55

彩龙社区 8 0

您的作品被推荐至社区首页焦点图,感谢支持。

11月30日 11:28

11月30日 09:10

11月30日 09:06

推荐文章

彩龙

Copyright © 2008-2020 彩龙社区(https://www.clzg.cn) 版权所有 All Rights Reserved.

免责声明: 本网不承担任何由内容提供商提供的信息所引起的争议和法律责任。

经营许可证编号:滇B2-20090009-7

下载我家昆明APP 下载彩龙社区APP