深入摄影:摄影作品的美从何而来?(下)

在上一篇摄影作品的美从何而来?(上)里,我们通过“美从何来”这个话题为出发点,讲了威廉·克莱因的作品是通过很大胆的手法来创作作品,然后根据森山大道的作品来对画面中高低反差进行分析,从而来展现画面具有无限的可能性,最后我们落脚在浪漫主义时期的绘画《自由引导人民》,通过德拉克罗瓦的这幅画来提出一个观点,那就是真实是无意义的,因为不同时期不同阶段不同人对真实的定义都是不同的。就好比风光摄影大师安塞尔·亚当斯,他的作品和德拉克罗瓦一样,在大景别的处理上,将庞大的场景变成了舞台,因此他们作品在当时意境之下可能是“如实”的,但对于我们现在的标准来看,却不那么真实,由此可见,创作的真实性在历史发展过程中,可能早就不重要了。

那么今天我来讲讲一位大师,杉本博司,去看看他是如何将不真实转化“真实”的,也就是如何把舞台拍出“真实场景”的感觉。

这里我们就得提到杉本博司的一个摄影集《 Dioramas》系列,在纽约自然历史博物馆里,陈列着很多自然动物标本以及为展现这些自然动物生前场景而布置的橱窗展柜,这些橱窗展柜里的场景可以说是不够真实的,因为这些场景里的远景都是一幅幅画。而人眼是可以通过双眼来产生立体视觉的,因为双眼因位置不同而存在视差,简单来说,我们左眼和右眼在同时聚焦于物体上的时候,我们的大脑通过双眼位置得到的视觉图像的不同来自动为我们判断出距离,而这样产生的距离感便会帮助我们构造出存在不同距离信息的空间。

杉本博司《 Dioramas》系列

纽约自然博物馆的自然生物标本

这正是在去看纽约自然博物馆的自然生物的标本时会感觉不够真实的原因。这正是因为双眼产生的视差,给大脑传输各个场景里不同的距离信号:举个例子,你在观看这些标本的时候,离那只小鹿可能只有一米,而这只小鹿距离它身后的那些“壮阔景色”,可能只有几十厘米。那些画里的远景试图创造出远距离的壮阔景色,从客观上自然就不成立了。因为人眼通过视差,可以很准确地识别出物距来。

说到这里,可能有人就好奇了,既然因为视差而存在不够真实的情况,那么杉本博司是如何产生拍摄《 Dioramas》系列的灵感呢?通过杉本博司自述:“这些人造的Dioramas,双眼去看时,简直假得可笑。但是单眼看时,突然变得栩栩如生。”这句话可以得出,“只要单眼看,这些场景的景深,你就看不出来了!”延伸出去,我们的相机不就是相对于我们的单眼吗,那些“壮阔景色”是怎么做成“真实远景”呢??其实很简单,用单眼去看,再特意去处理景深,制造假景深不就行了?

我们对比一下,这下面是自然历史博物馆的标本橱窗:

这是杉本博司处理过假景深的作品:

是不是瞬间就不再觉得这是人工特意摆出来的生物标本橱窗了?

通过纽约自然历史博物馆拍过的纪录片中,可以看到杉本博司拍摄现场:

拍摄现场

我们从这里可以得出结论,杉本博司在被拍摄的场景前打了正面光源。

正在拍摄现场布置正面光源

通过布放正面光源,来制造让背景景深和人眼距离感相符合的虚拟光源,工作难度是大大超过我们想象的。可能大家觉得,这不就是打个光么?有什么难的,但是这里面包含着很多需要思考的问题:

一,近景反差与远景反差不协调

在拍摄这些场景时,我们就必须考虑远景,也就是场景中远景部分的那些画本身的反差,这些画里不同区域的光照强度是否能和近景协调。尤其是这些远景的画里存在的反差是固定死的,我们只能够通过以这些画幅的反差来确定近景所需要的反差,而这里面更困难的是使用灯光的功率也固定的,由此可能造成在正面布放光源时,对被拍摄物体给出的灯光输出也是不对的。

二,底片冲洗的过程中,要针对全局来对底片反差进行确定。

首先,我们得知道杉本博司拿来创作的器械可是8X10的大画幅相机,这可不是我们手机或相机那么简单的玩意,这器械光准备工作都需要很长时间的的,而且每张胶片光购买的价格都值不菲,而且在冲洗时也存在相当大的难度。

话不扯远了,在冲洗时,底片的反差是需要针对性地去确定的,就是说,底片冲洗得反差过大或者过小,都会呈现不出近远景反差协调一致的结果。

在纽约时报针对杉本博司《 Dioramas》系列拍摄的报道中,我们可以知道杉本博司在处理拍摄过程中存在问题的解决思路:

首先,杉本博司通过将室内用黑布进行遮挡,消除因为人造光源产生的反光;

杉本博司接下来自己穿起黑衣服,在场景中进行人肉遮光:

通过纽约时报的报道,我们知晓这幅作品的曝光时间长达5分钟,而在这五分钟里,杉本博司就在画面前不断地通过自身来进行人肉遮挡。就为了遮掉多余的因为人造光源过亮的部分,这需要他能够清楚知道和掌握整个布景里,其中地方布光太过亮,并依此计算需要遮挡的时间。随后就通过人肉挡住所打的光源。而这样做的结果就很明显了:

拍摄现场

作品细节

佩斯画廊现场展示的整幅作品

我们之前的文章从亚当斯的作品看出,他是通过将大景化小,然后把画面通过不同的区域来进行分区了以后,再按照舞台布光法以及模型的打光法,制造出宏观化为微观的画面。我们这篇文章通过杉本博司的作品及拍摄现场,看到的是通过对标本打光,然后做好前后景控制,灰度控制和反差控制,用真光源打在这些标本上来创造出空间感,并制造出虚拟空间,不过这虚拟空间看起来和现实场景并无二致。这些操作可能看起来简单,而真正去做的时候,是真的太难了。因为灯的出光量是恒定的,也正是因为如此,杉本博司在现场就得用自己身体去进行遮光。

从这里进行延伸,我们如果把摄影作品看做为二维平面,但是依然打算在上面体现出立体空间,我们可以从前人的各种尝试里去学习。就像大景化小,小景变大,反差协调,透视拉开,以及舞台光照和前后景的纵深区分……当我们做画面时,这些问题是永远需要面对的,而且都是非常直接的问题,直接关系到你为什么拍,如何去拍。所以这些方法是需要从筹备拍摄的开始,就要在脑子里的。

好了,今天就先讲这些,如果各位感兴趣,我们可以考虑在未来去探寻更深入的内容。

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