我们前一篇文章《【摄影进阶课堂】“器材”真的不重要么？》讲的是摄影目前常见器材之间的异同，从手机摄影作品的碎片灵活，到大画幅相机的冷静客观，我们都分析了一遍。那器材真正对于创作者和观众到底带来了什么样的影响？

可能没人想过这个问题，当我们通过某一种器材（手机、数码相机或者是中画幅，甚至是大画幅相机）拍照时，必然要思考，我们能把这个器材带到哪去，通过相机的取景框里能看见什么样的画面，以什么样的流程拍出来，都会对最后呈现出来的图像产生影响。比如，当我们扛着大画幅相机去拍摄，大画幅相机数十倍于135相机的重量，更多的操作流程和更繁杂的注意事项，必然会让我们在对待想要拍摄的画面时，和135相机存在着明显的不同。135相机可以让我们隐秘于人群，或者躲在角落里去抓捕奇趣瞬间，而大画幅相机则需要作画一样，在底片上精心调度结构。

我下面通过史蒂芬·肖尔的两部作品《美国表面》和《不寻常之地》，给大家看看135胶片相机和大画幅在拍摄同样的题材，会得到什么样的作品，而这些作品又存在什么样的不同。

所以，我们可以从这里看出我们刚刚提到的问题，器材真正对于创作者和观众到底带来了什么样的影响？那就是不同的创作节奏和观看方式。虽然器材不影响我们的创作，正如很多人所说的那样，关键是镜头后的那个头，但如何选择工具也是要经过一番深思熟虑的。

通过刚刚的对比，其实我们也解开了一些困惑，就是很多很多著名的快照作品看起来像乱拍的？为什么有的大画幅作品看起来没有什么特色？

为什么会有这样的感受，我的文章一直都在强调，评判好作品的标准不只有一种，在面对现在市面上大量充斥的数码相机商业作品，我们对好作品的评判标准被逐步统一了，以至于面对其他器材带来的作品时，习以为常地套用着数码商业作品的标准。

为什么这么说呢，画面清晰、主题明确、色彩平衡，这三项是不是都是商用性质的评判标准，在这样的标准下，任何粗糙的、随意的作品都是“废片”，而这往往都是“快照”作品的特色。那同时，“快照”作品强调的“好作品”标准，比如“抓拍到位”“有故事感”“挑动情绪”，则又让大画幅作品会被视为乏味的、无趣的、没有创意的（因为大画幅作品的观感一般都是冷静、客观、凝视、细节）。

通过以上几点，我们可以得出，一位创作者不能局限自己的审美范围，要多去通过不同的器材去进行尝试创作，感受不同的创作节奏，给观众带来多样化的观看方式。