现在我们来到了最终篇章，就直接一点吧，展览和陈列的空间，这一点对我们去了解作品的意义有多重要，为什么把这放在最后呢，其实是有道理呢，之前我们通过四个篇章的时间讲了“尺寸”、“媒介”、“完整性”、“阅读流”，这些其实多多少少还属于是摄影范畴里，而展陈空间则更多的是策展的范围了。

但是今天，我们要讲的是广义上的展陈空间。因为在传统意义上的展陈空间主要是指作品在展厅中的呈现方式。这其实涉及到策展水平，同时也是一个环境艺术空间设计的问题。

因此，我们要从更广的层面去思考问题，那就是当面对同样的作品，在我们手机里、显示器上看到的效果和让我们能够去感受体验到的东西，和在一个特定的策展下所展示的效果，有着多大的区别。

今天就不搞一堆作品了，就拿杉本博司《佛海》来举个例：

是不是能够些许摸到了那么一丝特别，对，这就是展陈空间对作品的加持效果，其实大家在创作过程中肯定难以去在策展方面得到提升，因为这真的不是一件容易办到的事情，所以今天我们就来讲讲广义的展陈空间，广义地说就是这些照片出现的“环境”。它们是在嘈杂的朋友圈中？还是在时不时跳出广告的网页？还是在一个更干净的环境？

就如同在音乐厅里需要专注欣赏的古典音乐出现在露天场所，这是是很不合适的。但正就是因为如此，当艺术品可以“轻松”地进入到我们的视野后，就有很多人借此嘲讽艺术界的虚伪。

环境的影响看起来显而易见，却因为很多人习以为常而忽略了真正的好照片，而只留下了能在当代的嘈杂网络环境中生长的那部分照片。

这也是为什么，我们总在建议在有条件的情况下看实体照片、看展、看画册，去尽可能地看完整的作品。

在大多数是电子媒介阅读的时代，建议大家培养一种还原作品本身状态的意识，否则就容易“有眼不识泰山”了。